peintres témoins de notre temps

c'est un tableau de Baugin peintre du XVII ème siècle d'origine Hollandaise.

Nature morte à l'échiquier.

plusieurs objets apparaissent sur cette toile :

un luth (instrument de musique)

une partition

un jeu de cartes

une bourse

une perle ovale

un pain

une coupe de vin

trois oeillets

un échiquier

un miroir

 

Importance de la mise en scène du tableau : image structurée par des verticales (les pans de mur), des horizontales (bord de la table) et des obliques qui entraînent notre regard à l'intérieur du tableau. Les couleurs sont essentiellement chaudes à gauche (ocre, jaune, rouge) et froides à droite. Opposition aussi de la lumière(gauche) et du sombre (droite).

Si notre regard s'attarde quelques instants au premier plan sur le luth, il se déplace très vite vers le pain, la coupe de vin transparente et le bouquet d'oeillets.

Paradoxalement, ce sont les objets les plus modestes qui retiennent notre attention.

Cette nature morte sollicite nos cinq sens : la vue (miroir), l'ouïe (luth), l'odorat (oeillets), le goût (pain, vin), le toucher (échiquier, carte, bourse).

Ce tableau porte d'ailleurs un autre titre : les cinq sens

Signification du tableau :

 

Il est indispensable de replacer cette toile dans son contexte historique pour en découvrir la véritable signification. Peinte au XVII ème siècle, cette nature morte sollicite tous nos sens. Or le XVII ème siècle est profondément croyant ; et le rôle de l'artiste est de nous rappeler que notre vie terrestre n'est qu'un passage. La recherche de l'Absolu prime avant tout. C'est précisément le message que nous délivre ce tableau : l'Instrument de musique, le jeu de cartes, l'échiquier, c'est le monde de l'oisiveté, du divertissement.

La bourse, la perle, c'est l'univers de l'argent, du luxe et de la sensualité.

Le miroir, c'est le symbole de la vanité.

Le peintre condamne tous ces objets qui nous entraïnent sur le chemin dela futilité.

Au contraire,notre regard est attiré vers le pain, la carafe de vin, les oeillets . Pourquoi ?

 

Le PAIN et le VIN sont chargés, au XVII ème siècle, de connotations sacrées. Iles renvoient au repas eucharistique. Quant aux OEILLETS , ils symbolisent au XVII ème siècle l'amour sacré.

En conclusion :

 

Cette nature morte du XVII ème siècle n'a donc pas qu'une fonction décorative. Il s'agit pour le peintre de nous amener à dépasser le monde du profane.

La Chambre de Vincent à Arles En 1888, la maison d'Arles (la maison jaune,1888, Vincent Van Gogh, Foundation, Amsterdam) concrétise pour Van Gogh la nécessité d'approcher la lumière du Midi, associé au rêve d'une " maison d'artistes ". Celui-ci peint alors des oeuvres fortes, audacieuses (le café de nuit, 1888), mais maîtrisées. La vue de sa chambre, tableau assez serein qui " doit reposer la tête ou plutôt l'imagination ", montre un espace construit en superposition de plans selon la perspective cavalière des estampes japonaises et affirme le rôle primordial de la couleur-matière, utilisée " à teintes plates et franches comme les crépons > ( c'est à dire les estampes japonaises), sans ombres, ni ombres portées. Après l'échec de ses relations avec Gauguin et l'éffrondement de son rêve, de graves crises le poussent à s'installer volontairement à l'asile de Saint Rémy, d'avril 1889 à Mai 1890, où il peint des vues du jardin, des bâtiments et des environs, champs, oliviers, cyprès, et de douloureux autoportraits. Le flamboiement du paysage et la torsion des formes disent l'extrème tension de tout son ëtre. Mais, Van Gogh opère aussi des retours en arrière, retravaillant ce qui n'est jamais acquis, dans de nombreuses copies de ses toiles ou d'oeuvres admirées ' Delacroix, Rembrandt et, toujours et encore Millet). A l'évidence, dans la répétition et la copie, Van Gogh se cherche et cherche les autres. Des deux versions de la chambre exécutées à Sain Rémy d'après la toile d'Arles, celle du Musée d'Orsay (huile sur toile 56,5 x 74 cm), destinée à la mère et à la soeur de l'artiste, est la plus petite. Les meubles et les objets sont cernés d'un trait sombre et les couleurs se répondent en accords puissants, orange-bleu, violet-jaune, vert-rouge. La touche, longue et orientée, dans une matière épaisse, accentue la perspective, presque oppressante dans la version de Chicago. Comme pour " la chaise de vincent et son pendant - le fauteuil de Gauguin (1888) -, la chaise y tient une place prépondérante, véritable >portrait > de l'absence.

dans une lettre , Vincent glisse le croquis de sa chambre à Arles. On peut lire, < E bien cela m'a énormément amusé de faire cet intérieur..... d'une simplicité à la Seurat >

Cette superbe affiche à dü beaucoup à contribuer à faire vendre le roman aujourd'hui oublié de Victor Joze, Reine de joie. Lautrec rend parfaitement l'essence de ce demi-monde dans cette scène ou l'héroine  entreprend de séduire un riche banquier. Le contraste entre sa grâce juvénile et la laideur de l'homme est bien sûr délibéré. Lautrec utilise ici des couleurs audacieuses et Suggestives. La diagonale qui divise la composition en deux est une technique souvent utilisée par Lautrec dans ses affiches.

L'une de ses toutes premières oeuvres avec de nombreux personnages. La scène fait puissamment ressortir le contraste entre l'immobilité et l'ennui des jeunes filles qui < au premier plan et les silhouettes virevoltantes des danseurs >